Randonneur, je sortais volontiers des sentiers pour ramasser les bois morts torturés par les ans et les éléments. Il y eut les bois flottés, les souches de la bruyère, et celles du genévrier cade, un bois dur et imputrescible, dont il reste au sortir des incendies de forêt, la loupe propice à la sculpture de petits sujets.
Un jour, je découvre le genévrier de Phénicie dans les falaises calcaires, un arbuste parmi les plus vieux de la terre. Il donne une impulsion nouvelle à ma recherche et l’infléchit. Quand il pousse dans les parois verticales, sur un temps infiniment long, le combat entre attraction terrestre et élan vers la lumière contribue à la formation de volutes et de torsions fascinantes.
Il en résulte des créations uniques, où la main travaille en harmonie avec la nature. Il ne peut y avoir de séries, c’est elle qui façonne d’abord, et dicte une forme chaque fois nouvelle.
Ainsi ces bois millénaires, oubliés, trouvent un nouvel élan et renaissent à la vie.

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La couleur est ma principale motivation. Avec les tons, j’essaie de retranscrire ce qui m’entoure. Je parle à ma façon de ma région avec ses sites, ses caractéristiques, sa beauté, son tempérament… Je ne m’attache pas à faire quelque chose de très ressemblant mais j’explore la façon la plus représentative pour moi. Les perspectives, les proportions et les couleurs sont réinterprétées et se complexifient. Est-ce que le bleu serait aussi profond sans cet orangé discret ? Ce qu’on pensait être n’est pas ce qui est réellement.

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Recycling Art / Art du déchet
Collages en cuir en forme de tableaux

J’utilise diverses chutes de cuir, soit les déchets de différentes tanneries et avant tout, les habits déjà portés, démodés que j’achète dans les magasins de seconde main.

Je découpe, rénove, remanie, transforme ces pièces de cuir afin de leur donner une nouvelle vie artistique. Le choix du grain, de l’épaisseur du cuir joue une importance déterminante dans mon approche.

Le travail commence par une esquisse à main levée, ensuite le dessin est assisté par ordinateur et se termine par le travail manuel et tout est millimétré. Mes collages sont en partie plats et présentent souvent des reliefs, froissés, tissés, cousus et tout est collé sur différents supports : polystyrène expansé, balsa, carton-plume. Je découpe moi-même les cadres en bois et je les peins en utilisant un mélange de couleurs assorti avec du cuir utilisé pour chaque tableau.

Parfois je souhaite transmettre mes émotions, provoquer des réflexions par rapport aux différents sujets et thèmes, peut-être surprendre ou ouvrir un dialogue avec les autres techniques. Parfois je crée juste des compositions géométriques avec la gamme des couleurs nuancées, soigneusement choisies et en proportions équilibrées. Les titres permettent aux visiteurs d’interpréter mes œuvres selon leur imagination.

Les artistes qui m’inspirent : Pierre Soulages, Piet Mondrian, Josef Albers, Arjan Janssen, Barnett Newman.

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La nature est mon thème de prédilection. Je l’admire sous tous ses aspects.
Mon cœur balance le plus souvent entre les paysages de mer (bretonne oblige) et les paysages de montagne (vacances 40 ans dans les Alpes).
Je peux la suivre fidèlement comme dans ma série « montagnes » en taille-douce. Pour cela je pars principalement de mes photos, prises lors de voyages, et elles servent de support à un travail en aquatinte, sur cuivre.
J’aime aussi beaucoup l’interpréter en jouant sur les formes ou les couleurs comme dans beaucoup de mes gravures en taille d’épargne. Dans cette technique de gravure « à bois perdu », je travaille sur les superpositions des couleurs, sur la structure du dessin. Je pars d’une image et je l’oublie pour la revoir réapparaître progressivement. C’est un aller-retour perpétuel entre l’artiste et l’image.

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Dominique Grisoni vit et peint à Neuchâtel (Suisse).

Après 10 ans d’aquarelle, Dominique Grisoni a choisi l’huile et les techniques mixtes qu’elle pratique depuis plus de vingt ans. En 2021, elle se met également à la sculpture sur céramique. Présente aussi sur les sites internationaux d’art en ligne, elle a fait de nombreuses expositions en Suisse, en France et en Italie.

Le thème urbain l’interpelle. « Mes villes sont en constante mutation. Certaines se transforment, se développent, d’autres disparaissent… Qu’en reste-t-il ? Des vestiges, des traces indélébiles, une histoire qui défie le temps, parfois de simples lettres d’imprimerie… ».

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Le mouvement occupe une place fondamentale dans mon travail. J’entends par mouvement, non pas le geste d’un personnage, mais l’agencement dynamique que prend la matière dans l’espace, l’action subtile de la forme sur le vide.
Il est difficile de décrire avec des mots, une discipline qui précisément écarte le langage. Peut-être que je cherche à distiller l’essence d’un mouvement… ou à sculpter le silence… c’est la même chose pour moi. En tout cas mon travail porte en lui l’optimisme d’un choix. Ce choix, c’est celui de se détourner des opinions, pour s’arrêter, simplement regarder, écouter, ressentir et s’ouvrir aux possibles.

« Ce doit donc être un mouvement, l’actualisation du possible en tant que possible ». James Joyce – Ulysse

« Photo: Cyril Carpentier »

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« Depuis ses études picturales aux Beaux-Arts de Versailles et de Toulon, Benoit Giujuzza n’a jamais cessé de produire.
Travaillant par émergence, sans idée préconçue, il avoue être guidé par son support qu’il aborde toujours avec le même processus.
De grands aplats froissés, des collages discrets puis la transposition de formes stylisées et c’est la naissance d’arbres carrés, d’oiseaux aux formes de croix, d’un bateau monumental qui fait de la fumée en damier…
Tout un monde qu’il poétise, grâce à un langage pictural empreint de douceur et de simplicité. Son goût de la perfection l’emmène sur une recherche constance. Pour lui, « une œuvre n’est jamais achevée ».
En revenant sur sa production, il modifie la lecture selon ses ressentis du moment. Benoit Giujuzza, un perfectionniste amoureux de l’imaginaire ».
Davia Fardelli (Les Frangines)

(crédit photo Gérard DUBOIS)

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« Ce qui naît sur la toile n’est plus une simple image, mais un événement ».

GILLES est un peintre et sculpteur qui a exposé dans des expositions individuelles et collectives dans sa France natale. Il admet qu’il lui a fallu plus de 20 ans de formation en art classique – qui comprenait le dessin, l’aquarelle et le pastel – pour saisir pleinement l’abstraction de manière à pouvoir traduire les sentiments et les pensées sous une forme abstraite.
En peinture, GILLES privilégie la technique du dripping à base d’acrylique.
En tant que sculpteur, il aime travailler avec de la résine et de l’acrylique.

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Façonnées à partir de photos représentant mon quotidien, mes images sont abstraites… Qu’elles suggèrent telle ou telle chose ne me préoccupe guère, car pour moi absence de sens n’est pas non-sens. Et j’aime l’idée que chacun puisse s’y projeter et voir ce qu’il veut, ce qu’il peut, ou même ce « presque rien » qui renvoie à l’indicible…
« Au bout de l’effacement, ne reste que l’essentiel… ». Cette quête, je la poursuis dans mes séries en noir & blanc, Épures, Idéogrammes ; puis, avec les mêmes techniques, dans de grandes images verticales, Totems. Pour autant, je n’ai pas renoncé à la couleur…
De telles images jouent avec la perception de ceux qui les regardent : s’attachent-ils aux formes noires sur fond blanc, ou aux formes blanches sur fond noir ? Passent-ils aisément des unes aux autres ? Et comment les démêlent-ils quand ces formes s’enchevêtrent ?

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Issue d’une famille de peintres, Sylvie GAUSSEN achète ses premiers tubes de peinture à plus de 30 ans, pensant que peindre serait simple…
L’huile a sa préférence et très vite, le travail s’impose afin d’apprivoiser les couleurs et les matières. Les enseignements et les explorations picturales se multiplient ; à l’écoute de ses impressions, elle accueille la peinture abstraite sur sa toile.
Sylvie GAUSSEN s’est enfin libérée de la technique, en jouant avec différents médiums, insufflant à ses œuvres le mouvement, la lumière, et la joie.

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