Habituellement centré sur la femme, sa force comme son apparence qui s’imposent à nous d’une façon permanente et nous interrogent sur notre capacité à l’aimer et la désirer, mon travail s’exprimait auparavant en bronze.

La sculpture 3D appuyée par l’impression 3D réalisable de façon quasi immédiate, ainsi que la photographie, elle aussi numérique, m’ont permis d’étendre le champ des possibles avec plus de légèreté. Le travail 3D est une digression vers les WEIRD TALES, ces « Histoires Etranges » des BD de fantasy américaines des années1950 avec leur imagination extraordinaire mettant les personnages féminins dans des situations improbables souvent avantageuses. Cela reste un hommage aux femmes, toujours.

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FIGURES DE PROUE

« Aella » est une guerrière protectrice qui veille sur les siens dans leur périple autour du monde. Qui sont les siens ? Ces humains qui massacrent la planète qui les nourrit ? Vêtue d’un short en denim qui la contextualise dans notre monde contemporain, elle se bat pour les êtres d’aujourd’hui. Elle est tournée vers le futur, comme un guide bienveillant pour les siens.

Les figures de proue s’inscrivent dans une thématique attachée au territoire maritime cher à l’artiste. Elles interrogent l’humain quant aux désastres écologiques infligés à la planète nourricière, résumé par le sixième continent de plastique, lointain, que seuls les voyageurs des mers peuvent croiser.

Questionnant la figure humaine pour l’essentiel, Cristeen combine des thèmes classiques comme les amazones ou les chimères avec des objets de consommation contemporains.

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Je me penche à retranscrire en peinture acrylique, à l’huile, aux crayons gras ou fusain, sur des supports tels que le papier, le carton, le bois ou la toile, des photos vues sur internet ou sur des magazines, qui me semblent intéressantes par le thème ou la composition et d’y ajouter un fond différent qui nous amènera sur une autre réflexion.

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J’utilise l’encre de Chine et de couleur au pinceau de manière autodidacte, une forme d’art thérapie qui me permet d’ancrer mes intentions, mes émotions et mes idées sur le papier.

Le détail, le coté minutieux me happe, m’appelle, me nourrit et me libère. Le perfectionnisme est un moteur à ma créativité et ne freine en aucun cas ma liberté d’expression. Liberté qui me permet d’aborder des sujets divers et variés et renouvelle ma créativité.

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Diplômée de l’Académie d’Art Nicolae Grigorescu, Bucarest, Irina Biatturi a été en contact avec la peinture depuis son très jeune âge.

Ses peintures à l’huile, qui ont pour sujet les femmes et la sensualité, s’inspirent de l’Art Déco et de l’Art Nouveau, mais aussi des compositions des maîtres de la Renaissance italienne. Irina Biatturi tire son inspiration de la vie sur la Côte d’Azur, où elle habite depuis plus de 20 ans, notamment dans l’ambiance des années folles.

Ses tableaux sont aujourd’hui mondialement reconnus et elle a été finaliste pour de nombreux prix de peinture. Elle participe régulièrement à des prestigieux salons internationaux d’art comme SIAC Marseille, Parallax Londres, Art3F Monaco, Nice, Biennale de Florence, etc.
De plus, ses travaux ont été présentés dans des publications telles que Nice Matin, Vauban Magazine, TOUTMA, La Strada…

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Je suis agriculteur, et mon activité depuis plus de 20 ans est la reproduction et la culture de l’olivier ! Je suis aussi sculpteur, principalement à partir du bois d’olivier. Le paysan
« fabrique » donc la matière que l’artiste « travaille » !

La disparition de mon épouse bien-aimée m’a amené à cette forme d’art-thérapie et mon travail comme ma personnalité s’inscrivent dans ce que certains appellent l’Art Brut. Cela me permet, au fil de mon inspiration, de créer avec des matériaux multiples, dans des voies différentes, j’en suis encore aujourd’hui à la phase initiale, pour plus tard de choisir mon chemin.

Ma maison ainsi que mon atelier sont en autonomie énergétique totale (panneaux photovoltaïques et éolienne), je me chauffe uniquement avec les déchets de mes activités, je suis donc intégralement dans une démarche éco-responsable exclusive.

Bienvenue dans mon univers !

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Lionel Borla est né en 1974 et a vécu sur la Côte d’Azur jusqu’en 1992. Ses ascendants italiens lui ont transmis la quête de la beauté et de l’harmonie. Lionel Borla se consacre à la peinture depuis l’année 2000 après avoir obtenu son diplôme de l’école d’architecture de Marseille en 1998 et après avoir pratiqué le piano durant son adolescence. Le monde pictural lui apparut alors être son royaume.

Dans une écriture très graphique aux aplats de couleurs vives ou aux tons sourds, un signe-silhouette vient habiter, tel un esprit sensible épris de beauté, les paysages, architectures et autres scènes musicales. Les œuvres sont essentiellement créées sur papier avec l’encre de Chine, la gouache, l’acrylique et le brou de noix. La photographie et le dessin numérique font aussi partie des techniques employées.

Les images créées – où la mise en rythme est centrale car créer c’est composer – invitent alors le spectateur aux voyages silencieux de l’esprit.

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J’ai toujours eu la fibre du dessin et de la peinture.

Après avoir visité différents types de peintures, j’ai constaté que la peinture à l’huile était une évidence. Ma sensibilité se rapproche davantage de cette technique qui permet un mélange noble des couleurs ainsi que des effets de reliefs surprenants.
Mes origines corses, les couleurs et la lumière de cette île inspirent mes différentes œuvres.

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Puiser dans les mythes, porter une réflexion sur notre société actuelle, ses souffrances humaines et environnementales…

Pratiquant une technique intemporelle, sculpter me permet de donner vie à une histoire chaque fois différente. Lorsque l’image s’impose à mon esprit, je suis le supplément d’inspiration né du rapport au modèle vivant. Je garde brutes les terres de grès, afin de préserver leurs identités originelles, mais les associe volontiers à des éléments naturels. Je moule certaines pièces pour les reproduire en bronze, ce matériau venu de la nuit des temps. Il permet des patines aux reflets inégalables qui appellent à toucher les sculptures. Le regard du spectateur est accroché, sa main caresse les formes, alors j’espère susciter sa réflexion au-delà du figuratif.

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La peinture s’est imposée à Pascale H. Bergeron lors de son installation en Provence, il y a 25 ans, en découvrant des couleurs et des paysages proches de ses origines moyen orientales et de son histoire familiale étroitement liée à la méditerranée.

Elle a délaissé le figuratif depuis quelques années pour se concentrer sur l’abstrait qui lui permet de s’exprimer et d’être au plus près de ses paysages intérieurs, paysages karstiques en demi-teintes où les failles laissent passer la lumière.

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