Je travaille de façon instinctive en ne retouchant que très rarement le dessin préliminaire.
La peinture et la sculpture me permettent de rendre hommage aux femmes de manière abstraite, sans aucun critère social, d’âge, de beauté ou de couleur de peau.

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« Architecte ingénieure de formation, Alix Favre est devenu céramiste en 2020. Utilisant son surnom d’enfant « lalile » comme nom d’artiste, elle s’inspire de tout ce qui l’entoure et qui lui fait du bien pour créer des pièces qui émanent de la bonne humeur. Elle aime donner vie à des concepts épurés qui savent se démarquer par leur originalité à travers les couleurs, les formes, les textures ou les motifs.
Depuis son atelier lyonnais, elle réfléchit, conçoit, produit, et vend ses pièces, dont sa pièce maîtresse : la brique lalile. Modelées à la main en grès, ces briques sont toutes uniques et numérotées. Un traitement différent à l’émail ou à l’engobe sur chacune d’entre elles souligne leur unicité. A cheval entre la sculpture et la pièce utilitaire, l’usage de ces briques peut être décliné en fonction des besoins de l’utilisateur (en décoration, vase, ou contenant alimentaire). Depuis février 2020, Alix agrandit chaque jour sa famille de briques avec plus de 300 exemplaires réalisés à ce jour ».

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ART, c’est entre autre, le monde des formes et des couleurs. En entrant dans cet univers passionnant, j’accédais à l’évasion et à la liberté d’expression. Cette liberté m’aide aujourd’hui à transcrire dans un langage artistique mon imaginaire, mes idéaux pour toucher des cœurs… Ce n’est qu’une étape, car, très humblement, il reste encore beaucoup à faire.

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L’œuvre n’est achevée que quand le spectateur la regarde. « C’est le regardeur qui fait le tableau » disait Marcel Duchamp.

Ce que le peintre inscrit sur sa feuille blanche n’est que l’expression de son être intérieur. Le papier, l’eau et l’encre se métamorphosent en espaces imaginaires, autant ouverts sur l’immensité d’un désert, d’un océan, d’une montagne, que resserrés sur un objet, un végétal, un corps.

C’est l’encre qui décidera de déferler, le pinceau ne fera que la guider, dans un équilibre toujours précaire.

Le spectateur à son tour transformera l’œuvre en un rêve qui lui devient propre.

Claudia LOUDUN BENGLER vous invite sur ce chemin d’encre et d’eau.

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Fabien Licata est presque passé de la photographie à la peinture comme il est passé de l’argentique au numérique, un numérique qui est l’essence même de sa mutation. Lors de son cursus professionnel, il prend trois années de formation à l’École de Design et d’Art Appliqué (EDAA) de REIMS, il peaufine le sens de sa démarche, mettant en place les pièces d’une savante approche énergivore et unique. La collection qu’il présente à quelque chose d’irréel, de magique. Fabien Licata est d’abord un photographe, reconnu comme tel et récompensé, ardent défenseur de la propriété de l’image. C’est aussi un inventeur, un découvreur, qui a entrepris de superposer, révolutionner, mixer les techniques comme il mêle les inspirations. Tout part d’une vision, d’un souvenir d’enfance, traverse le temps, l’esprit, l’imaginaire. Il fixe l’image, numérise, peint, ajoute, étire, réduit, obtient un grain, une finition. Qu’importe la chronologie, le résultat est troublant, stupéfiant. C’est une feuille d’automne « marionnette », prête à l’envol, retenue captive par des fils, tant il est vrai que la Nature perd en liberté. C’est des mondes presque réels où la combativité de la femme se révèle.  C’est une bulle, d’air ou d’eau, peu importe l’essence, saisie en suspension. Ce sont autant de végétaux,  de trompe l’œil, saisis au vol de la réalité ou de l’imagination. A réunir numériquement, photographie et peinture, il est aujourd’hui le surprenant « Photo-Graphiste », il graphe ses photographies. Son travail pour cet art émergeant, va sans aucun doute grandir dans les années à venir…
(cf Danielle BOURCELOT)

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Christian LIONNET est fasciné par l’Afrique. Il crée des sculptures représentant des femmes et des hommes d’ethnies qu’il affectionne tout particulièrement, certaines pour les avoir rencontrées sur le continent noir, notamment au Mali, les Dogons, Peuls, Bozos du fleuve Niger, Touaregs du nord et bien d’autres encore.
Sculpteur depuis 37 ans, céramiste depuis 22 ans, c’est la terre qu’il façonne de ses mains pour donner corps à ses œuvres. Il réalise un véritable travail de recherche et d’étude pour qu’au final sa sculpture se rapproche au plus près de la beauté des personnages dont il s’inspire.
Ses œuvres sont appréciées par de nombreux collectionneurs, en France mais aussi à travers l’Europe, ils retrouvent dans les sculptures de Christian Lionnet un peu de l’âme africaine.

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A travers le portrait animalier, Erika Lisch nous invite au voyage chamanique et aux traditions Amérindiennes. L’animal totem est au centre des recherches de l’artiste, elle peint des loups, des félins, des primates, des rapaces… pour leurs attributs sacrés et leur guidance ouvrant ainsi la voie à nos perceptions sensorielles.

Figuration, abstraction, connexion, Erika Lisch compose ses œuvres sous forme d’un triangle où tout est harmonieusement relié souvent associé à l’équilibre et à la réconciliation, cette triade évoque l’existence d’une force transcendantale qui dépasse la matière. L’artiste peintre capte alors les émotions autour d’elle pour ainsi produire une œuvre d’une sensibilité unique.

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Icones ou anonymes, bouilles enfantines ou faciès burinés par la vie, tous rayonnent d’une beauté magnétique.

Ma démarche artistique est la quête du beau à travers les multiples visages de l’être humain.

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LE VISIBLE ET L’INVISIBLE

Ne faites pas confiance à votre œil !

Caroline LLONG aime surprendre derrière l’apparente simplicité de ce que pense voir l‘œil. Si l’acte créatif premier est basé sur un travail autour de l’émotion, l’artiste s’attelle ensuite à raconter une histoire en insérant une multitude de détails subtilement cachés. Si son travail est reconnu depuis dix ans dans le milieu du sport automobile, l’artiste présente sur ce salon une collection moderne et engagée où l’imaginaire, le rêve s’entrechoquent avec une réalité parfois glaciale et déshumanisée autour de thématiques fortes qui doivent permettre, selon elle, d’ouvrir des débats : l’enfance sacrifiée dans le monde, la nature comme poubelle de l’humanité, le masque de l’illusion porté par tant d’artistes, les femmes comme arme de guerre.

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La Nature m’est source d’inspiration. Créer est à mon sens une quête d’harmonie avec le monde. Mes images reflètent le sentiment de fusion que je peux atteindre lorsque je me retrouve face à la Nature. Quand son chaos m’amène à un état de paix intérieure. Ce que je veux partager, c’est le sentiment de résonance. Et cela sera jusqu’à ce que je ne puisse plus tenir un appareil photo.

Je cite Pierre Soulage : « Chaque tableau est à la fois un tableau fini et aussi, et c’est ce qui m’importe le plus, une étape, un moment de quelque chose de plus large, c’est la série de mes tableaux que je ne peux pas prévoir ».

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