François-Marie LUCA est passionné par la représentation du visage humain. Sa démarche est de se focaliser, de révéler ce que nous percevons. Il entremêle les grandes notions des arts plastiques pour donner à voir et à interpeller les spectateurs. Il nous implique tout entier à travers ses nombreux aplats de couleurs méticuleusement répartis. Il y ajoute des lignes qui s’entrelacent pour révéler ou dissimuler ses visages. La composition fait partie intégrante du travail de l’artiste. C’est donc en alliant le graphisme du trait que son geste exécute et la couleur qu’il nous invite à déchiffrer et à percevoir les visages qui composent son œuvre. Il utilise la couleur comme une lanterne qui viendrait éclairer ce qu’il cherche à nous montrer. Il souhaite explorer les frontières entre figuration et abstraction. C’est ainsi que l’artiste est en perpétuelle recherche, ce qui lui permet d’utiliser différentes techniques et supports. Sa quête de créer une émotion chez le regardeur est un moteur dans sa pratique et dans sa démarche artistique. « C’est le support, la couleur et la forme qui éveillent notre sensibilité ». Dans son travail de peintre sur céramiques, François-Marie LUCA interroge la notion de collaboration artistique. Ainsi, il fait plus que retranscrire son travail pictural sur un volume qui est lui-même un objet artistique, il renouvelle sa propre démarche en s’adaptant et en dialoguant avec la matière, la forme de l’objet et son histoire. Les productions de François-Marie LUCA sont une invitation à observer son art à travers le prisme de nos émotions personnelles. Elle nous rappelle que l’art va au-delà de la simple représentation visuelle, qu’il a le pouvoir de toucher nos âmes et de nous inciter à explorer notre propre monde intérieur à travers les couleurs et les formes. Face à son travail pictural, chaque spectateur est invité à se laisser emporter dans un voyage artistique unique et profondément personnel.

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Né pour devenir un technicien, cet artiste a commencé sa vie dans la recherche permanente de ce qui n’existait pas encore.

Il y a deux décennies, il a croisé l’univers de la création artistique. L’unique fonction de ses pièces est de surprendre.

La matière qu’il a choisie est la feuille d’acier noir, comme l’écrivain la page blanche.

Son esprit est tourné vers l’avenir et fuit le passé, c’est la raison pour laquelle ses collections proposent des pièces uniques toujours design et contemporaines.

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De l’impressionnisme à plusieurs autres techniques, toujours en recherche de nouveauté. Trouvant dans l’art contemporain une manière de m’exprimer, et de créer mes propres techniques en les améliorant au fil du temps.

J’affectionne plus particulièrement les grands formats et le travail de la matière.
Chaque tableau a son histoire, l’histoire que vous lui aurez donnée, et c’est pour cela que toutes les œuvres ne portent pas de nom mais sont toutes numérotées.
Travaillant des techniques différentes avec diverses matières : pigments, encres, pastels, peintures acryliques, papiers non tissés, colles, résines… qui peuvent être utilisés sur des supports tels que le bois ou la toile.

Ce process qui allie technicité, matières et couleurs, permet la création d’une pièce unique.

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Karine LOCKE est née dans une région où la lumière est un puit d’inspiration, à Toulon en 1969. Elle découvre la peinture grâce à son grand-père, Amédée PIANFETTI, un peintre toulonnais reconnu et coté, qu’elle a toujours vu peindre avec appétence.

Majoritairement semi-abstraits au tout début de son activité, ses tableaux laissent une place peu à peu à une abstraction totale, une esthétique sur la matière où l’utilisation du couteau prend tout son sens. La couleur reste toujours très présente : la palette déployée est chatoyante, vive.

Son travail est le plus spontané possible, immédiat, ce qui lui permet d’exprimer ses états d’âme. Elle se situe toujours entre le rêve et la réalité, procurant une belle ouverture sur l’évasion et l’imagination. Elle met un point d’honneur à ne pas omettre la dimension humaine au travers de ses toiles : essayer de provoquer des émotions ! N’est-ce pas somme toute, la finalité de l’art ?

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A l’Intemporel, on parle la langue du Bois avec patience et passion et cela ouvre tous les champs des possibles.

Tout commence par une pièce de bois recyclé en matière première sur laquelle est appliquée une technique propre à la marqueterie. La suite n’est qu’une lente succession de gestes méticuleux opérés par un passionné, Fred DESMARTIN, dans l’intimité de son atelier à Rognes.

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« Yann Letestu est un artiste méditerranéen qui a déposé ses pinceaux à Marseille depuis une vingtaine d’années.
Amoureux de l’univers marin et des espaces infinis, il puise son inspiration dans les voyages. Au fil du temps, il affirme son talent et propose un univers personnel identifiable au premier regard.
Pour ouvrir des horizons qui laissent à chacun le loisir de rêver, il utilise des cartes marines anciennes qu’il maroufle sur la toile ; le graphisme de la carte est le point de départ du sujet ».

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« Façonner l’argile est pour moi un moteur indispensable à mon existence. Aussi loin que je me souvienne, le contact sensuel de la terre a toujours soulagé mes maux, me portant vers la vie. Il y a des rencontres qui comptent plus que d’autres, la mienne avec la terre est de celles-là. Depuis l’enfance, sous mes mains, l’argile s’est peu à peu laissée apprivoiser, m’invitant à façonner mes rêves. J’aime la technique ancestrale du raku, pour des créations délicates, que la culture japonaise, avec ses esprits et ses légendes, influence librement. J’aime le grès à haute température, brut, robuste, pour des réalisations à installer au jardin, comme des sculptures et des fontaines se couvrant de mousse au fil du temps… Je travaille la terre depuis l’enfance, j’ai appris auprès de mes pairs, au fur et à mesure des rencontres ».

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Mes sculptures sont réalisées selon la technique du moulage à creux perdu de A. Rodin qui permet de passer de l’œuvre initialement créée en argile à une sculpture en polyester, résine ou bronze, au fini précisément lisse et parfait.

Je suis tombée amoureuse de cette matière noble qu’est l’argile, qui me permet de m’évader dans une liberté infinie de création, de sculpter avec mes sensations. L’interconnexion entre corps et esprit, l’harmonie des énergies, sont pour moi des sources puissantes d’inspiration. L’argile est devenue le moyen d’extérioriser et de transcrire concrètement mes émotions, de leur donner vie dans la matière, un écrin à ma sensibilité en lui offrant une enveloppe dans ces beaux corps féminins inspirant une sensation de paix intérieure et d’harmonie.

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Un cheminement d’autodidacte, un premier prix de peinture à l’huile à 16 ans, remis par Haroun Tazieff à Mirmande, stages professionnels de mosaïque en Vénétie (Spilimbergo du Friul), apprentissage de la fresque puis l’apprentissage des outils indispensables à l’expression de mes émotions, dessins, techniques picturales…
et derrière la porte apparût le champ des possibles, aperçu d’inconscient.

J’y ai collé des bouts de papiers « fragiles », des sombres et des lumineux, des bouts de vie. Sur ces fragilités, j’ai pu m’asseoir et regarder, pour voir… plus loin.

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